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martes, 21 de abril de 2009

Antonio Alcántara



Playa el Agua, 112 X 74 cm
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Premio Federico Brandt, 1952

Nació en 1898 y se formó en Caracas. En sus inicios se le asoció con la influencia de Manuel Cabré, sin embargo, Alcántara surgió como gran paisajista por sus propios méritos desde su primera exposición realizada en 1918.

Frecuentó el Taller Libre de Arte y realizó numerosas exhibiciones individuales en galerías del país. Fue invitado a participar en la Exposición Internacional de Liega, Bélgica, en 1930; en la Bienal de Artistas Latinoamericanos, Madrid, en 1951; y en la Exposición de Arte Contemporáneo del Principado de Mónaco, en 1969, donde se le distinguió con diploma y medalla. Está representado en la colección del Museo de Bellas Artes de Caracas.

La obra de Antonio Alcántara ofrece una contemplación divisionista del paisaje con matices tornasolados por el efecto de la luz del sol.

Pedro Báez


 

Paisaje Andino, 100 X 70 cm
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Nació en 1939 y estudió en Caracas y en París. A su regreso alternó su trabajo de pintor con la docencia artística en varias ciudades del país, y ocupó el cargo de director del Taller de Arte Federico Brandt. Realizó numerosas exposiciones en galerías y salones, entre las que destacan: Galería Círculo El Pez Dorado, 1962; Galería G, 1963; Ateneo de Caracas, 1966; Galería Viva México, 1973; Ateneo de Barcelona, 1974; y Sala Ocre, 1978.

Al principio Báez se valió de su obra plástica como medio de denuncia de los conflictos internos del hombre y la violencia urbana. Mas adelante se interesó en una apreciación introspectiva en la cual formas abstracto-orgánicas, llenas de color e impulso gráfico, crean composiciones con gran dinamismo y contenido lírico. Pedro Báez aborda el paisaje imaginativo, despojándolo de las referencias de la naturaleza, para dejar aflorar la visión interior que yace en el subconsciente.

Armando Barrios



Homenaje a la Música, 109 X 75 cm
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Premio Nacional de Pintura, 1957
Premio Armando Reverón, 1961
Premio Antonio Esteban Frías, 1957
Premio Arturo Michelena, 1947
Premio John Boulton 1946, 1954.

Nació en 1920 y estudió en Caracas y en el Taller de Arte Abstracto de Dewasne y Pillet en París, donde inició su transición de la pintura figurativa a la abstracción geométrica, al tiempo que participaba en las actividades del grupo Los Disidentes. Viajó intensamente por Italia, España, Inglaterra y Estados Unidos. Presentó sus obras en salas y museos de Europa y América, entre ellos el Salón Des Realités Nouvelles y el Salón de Mayo, en París. Realizó los murales de la Plaza del Rectorado y el Estadio Olímpico de la Universidad Central de Venezuela. En 1956 participó en la Bienal de Venecia y se desempeñó como director del Museo de Bellas Artes. Se le otorgó la Orden Andrés Bello en 1961. En 1977 la Galería de Arte Nacional organizó una retrospectiva de su obra. Está representado en las colecciones del Museo de Arte Contemporáneo, de la Galería de Arte Nacional y del Museo de Bellas Artes, en Caracas, así como del Museo de Bellas Artes de Barcelona, España, y del Museo de Los Ángeles, Estados Unidos. Sus exposiciones individuales más importantes incluyen: Museo de Bellas Artes, 1947 y 1948; Galería Wildenstein, Nueva York, 1958; Sala de la Fundación Mendoza, 1967 y 1970; Galería Acquavella, 1965, 1975 y 1982; y Galería Freites, 1986, 1989 y 1995.

La adhesión al Cubismo marcó el destino de Armando Barrios, uno de los artistas más coherentes de la generación del '40. Su obra se concentró en la búsqueda de una síntesis de línea y color que concilia el espíritu de la abstracción con una temática figurativa. Recrea escenas íntimas construídas con estructura rítmica, una línea en su expresión geométrica más esencial y una melodía cromática audaz y contrapunteada.

José Basanta


 

Sin título, 78 X 58 cm
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Premio Art International, Primer Salón Nacional de Artes Plásticas,
Museo de Bellas Artes, 1988

Nació en 1960 y estudió en Caracas y en París. Ha realizado numerosas exposiciones nacionales e internacionales, entre las que destacan la Exposición Itinerante por España, Inglaterra, Austria, Italia y Francia, en 1990; América Latina 91 y el Primer Encuentro de Artistas Latinoamericanos, en 1991, en París. Está representado en la colección de la Galería de Arte Nacional de Caracas.

La obra de José Basanta es un culto estético donde los datos asociados a un paisaje se entrelazan con las floraciones misteriosas de lo introspectivo. Es un ritual de pinceladas reiteradas e impetuosas, con peso y longitud desigual, trazadas en direcciones múltiples y arriesgadas. En este escenario avasallante el espectador es envuelto en sensaciones enigmáticas dentro de una vegetación que va mas allá de la exuberante trama de la selva.

Francisco Bellorín



Nocturno V, 70 X 100 cm
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Jarrón con Flores, 38 X 56 cm
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Premio Andrés Pérez Mujíca, Salón Arturo Michelena, 1971
Premio Antonio Edmundo Monsanto, Salón Arturo Michelena, 1970

Nació en 1941. Completó sus estudios generales en Caracas, y se especializó en grabado e impresión en París, Ginebra, Bruselas y Varsovia. Residió en Roma, Madrid y Ciudad de México. Obtuvo el Primer Premio con Gran Distinción en Grabado de la Academia Real de Bellas Artes de Bruselas, Bélgica. A su retorno dirigió el Taller de Diseño y Artes Gráficas de la Universidad del Zulia.

Francisco Bellorín es reconocido como pionero de la serigrafía en Venezuela y uno de los principales grabadores del país. Sus exposiciones mas importantes son: Museo de Arte Moderno de Bogotá, 1968; Confrontación 71, Ateneo de Caracas, 1971; Galería de Arte Nacional, 1980; Galería 5, 1988, 1989; y Galería Leo Blasini, 1994. También ha recibido las recompensas: Primer Premio del Salón de Jóvenes Pintores, Maracay, 1960; Primer Premio Salón Julio T. Arze, Barquisimeto, 1969; y Primer Premio Salón de Occidente, 1970.

La pintura de Francisco Bellorín devela la atmósfera enigmática de un mundo onirico habitado por personajes y elementos con simbología de carga erótica que refieren a un universo femenino de carácter instintivo, fértil, nutridor, visionario y sagrado, y construyen una misteriosa y seductora alegoría sobre el ciclo de la vida a través de un trazo elaborado y un formidable brillo en el uso del color.

Pablo Benavídez



Bahía de Pampatar, 77 X 56 cm
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Premio para Paisaje Arístides Rojas, 1963
Premio Armando Reverón, 1990

Nació en 1918. Realizó sus estudios en la Escuela de Artes Plásticas de Caracas, donde fue alumno de Antonio Edmundo Monsanto, Ramón Martín Durban y Marcos Castillo. Al comienzo de su carrera mantuvo una actitud distanciada del movimiento artístico, y fue sólo a partir de 1960 cuando regularizó su actividad expositiva con muestras presentadas en la Galería Acquavella, 1962, 1964, 1966, 1967, 1969, 1972, 1976 y 1980. Fue galardonado con la Medalla de las Bellas Artes de la Fundación Pedro Ángel González en 1992. En 1995 el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas le rindió homenaje presentando la exposición "Benavides: 6 décadas de paisajes". Está representado en la colección de la Galería de Arte Nacional.

Pablo Benavides desarrolló un lenguaje plástico de abierta y franca resolución expresionista. Sus lienzos exaltan los efectos pastosos del color, la sensualidad de los trazos y una transparencia emotiva en los temas que hacen de Pablo Benavides uno de los pintores paisajistas más importantes del país.

Marietta Berman



 …Él oyó mi voz, 57 X 78 cm
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Premio Nacional de Dibujo y Grabado, 1964
Premio de Adquisición Bienal de Ljubljana, Yugoslavia, 1965
Premio Emil Friedman, 1963

Nació en 1917. De formación autodidacta, se expresó en las modalidades de dibujo, grabado, pintura y escultura. Ha realizado una prolífica actividad expositiva en Estados Unidos y en Europa. Berman es una artista de renombre internacional y sus obras son subastadas en las casas Christie's y Sotheby's.

La pintura espacial y sintética de Marietta Berman se orienta hacia la búsqueda de una expresión plástica conceptual, la cual manifiesta una estrecha alianza entre el arte y su visión mística del hombre y el universo. Está representada en la colección de la Galería de Arte Nacional y del Museo de Bellas Artes de Caracas.

José Arcadio Carrasquel



Expansión del Cuadrado 36, 90 X 77 cm
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Expansión del Cuadrado 18, 90 X 77 cm
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Premio de Arte Constructivo, Bienal Mundial de la Habana, 1980

Nació en Barquisimeto, Estado Lara, en 1944. Se formó en Venezuela y seguidamente se desempeñó como docente. En 1968 marchó a Moscú y estudió Diseño y Periodismo Visual. Viajó por los países nórdicos, Italia y Alemania. En 1980 se dedicó a estudiar el abstraccionismo geométrico y cromático Joseph Albers en Nueva York. Residió en París durante largas temporadas. Ha exhibido su obra en Art-Expo-Nueva York, en la galería Venezuela de Nueva York, así como en galerías y museos de Europa y Latinoamérica.

Aunque la obra de José Arcadio Carrasquel podría asociarse a simple vista con el mundo retinal de Vasarely, su trabajo difiere del de éste esencialmente por una concepción más gráfica y expresiva de la forma. En José Arcadio Carrasquel la línea está diseñada para obtener, en combinación con los colores degradados, una atmósfera de valor poético.

Feliciano Carvallo


 

Niños Perdidos en la Selva, 100 X 70 cm
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Bodegón, Frutas y demás Hierbas, 77 X 56 cm
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Premio Nacional de Pintura, 1966
Premio Armando Reverón, 1966
Premio Edmundo Antonio Monsanto, 1965

Nació en 1920. Pintor autodidacta que dió origen al auge de la pintura ingenua en Venezuela. Recibió sus primeras indicaciones para preparar lienzos y emplear colores de Armando Reverón. Su carrera fue impulsada por una exposición individual organizada por el crítico Gastón Diehl, en el Instituto Cultural Venezolano Francés, en 1955. Fue invitado a exponer en galerías internacionales destacadas como la Villand & Galanis, en París, y en la exposición “Ingenuos Actuales de América”, efectuada en el Museo de Arte Moderno de Paris, en 1967. Se convirtió en el primer artista venezolano en ingresar al Museo de Arte Moderno de Nueva York, propuesto, en
1947, por el crítico Joseph Bar. Feliciano Carvallo está reconocido, junto a Bárbaro Rivas, como el principal representante del arte ingenuo en Venezuela.

Feliciano Carvallo proviene de la tradición afro-americana que celebra la naturaleza, la fiesta del pueblo y las anécdotas del folklore. Sus vibrantes imágenes plasmadas con vitalidad y sencillez narran fábulas poéticas que se desenvuelven en un enjambre florido de vegetación a través de un discurso plástico pródigo en detalles y un colorido tropical contrapunteado.

José Antonio Dávila



El Décimo Encuentro, 74 X 95 cm
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Premio Roma, 1957
Premio Armando Reverón, 1959
Premio Enrique Otero Vizcarrondo, 1959

Nació en 1935 y estudió en Caracas, Italia y Estados Unidos. Ingresó al Taller Libre de Arte en 1950. Hacia 1955 se dedicó a la representación de un realismo social inspirado en temas del mundo de los trabajadores, y en 1958, emprendió una larga gira por los países socialistas, Francia y España. Inicialmente se consagró a la docencia en el interior del país. Pero al asumir, en 1966, la dirección del Centro Experimental de Arte de la Universidad de Los Andes, su obra demostró una transición hacia un estilo mas sintético y paisajistico, seguido de otro con influencias del Pop Art. En 1968 decidió establecerse en Caracas, abriéndose así camino a la notoriedad, y posteriormente, se residenció en Nueva York por un tiempo. Sus principales exposiciones individuales son: Instituto Venezolano Soviético, 1959; Sala de la Fundación Mendoza, 1961; Museo de Arte Moderno, Mérida, 1970; Sala de la Fundación Mendoza, 1961; Museo de Arte Moderno, Mérida, 1970; Galería Estudio Actual, 1973; Arras Gallery, Nueva York, 1974; Galería Arte Contacto, 1976; Galería Bonino, Nueva York, 1978; y Galería Freites, 1986.

Antonio Dávila ha ingresado al selecto grupo de artistas latinoamericanos cuyas obras, exhibidas anualmente en la casa Christie's de Nueva York, son objeto de la atención internacional. La última obra de Dávila alcanza una percepción depurada y precisa de la realidad unida a su particular concepción de la naturaleza muerta, cuya elaboración descansa en un principio fotorrealista. Los objetos que Dávila nos presenta son los protagonistas de la relación metafísica que el hombre establece a diario con la industrialización que lo rodea.

Paúl del Río

 

Serenata, 77 X 56 cm
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La Guitarra Rota, 70 X 100 cm
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Nació en 1943. Es un pintor autodidacta. Ha realizado mas de 40 exposiciones individuales y colectivas desde 1974 en galerías y museos de Venezuela, México, Colombia, Cuba, Madrid y Nueva York. Participó en la Bienal Mundial de La Habana en 1986.

La obra de Paúl del Río está considerada como una toma de consciencia lírica del realismo social, donde elementos simbólicos cada vez mas sintéticos y sutiles expresan las metáforas del anhelo por una nueva vida.

Manuel Espinoza



Flores I, 74 X 110 cm.
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Premio Nacional de Pintura, 1987

Nació en 1937 y se formó en Valencia y en Caracas. Cursó Historia del Arte en Roma y Artes Gráficas en Berlín. Ha realizado una significativa actividad como docente en Venezuela. Dirigió el Centro Experimental de Arte de la Universidad de Los Andes, en Mérida. Enseñó en el Instituto de Diseño Neumann-INCE de Caracas. Fue fundador y
director del Instituto Superior de Artes Armando Reverón, así como cofundador y director de la Galería de Arte Nacional. Manuel Espinoza es autor de una extensa obra en pintura, dibujo y artes gráficas. Sus principales exposiciones individuales son: Museo de Bellas Artes, 1959, 1961, 1963, 1972 y 1978; Sala Fundación Mendoza, 1965; Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, 1976, 1980; y Galería Cinco, 1990.
Fue invitado a exponer en Nueva York en 1987.

El naturalismo de Manuel Espinoza tiene por origen elaboraciones inconscientes de impresiones tempranas, retomadas pictóricamente mediante un procedimiento gestual, que con frecuencia solicita el empleo del gran formato. El dibujo dinámico y vehemente y la furia del color se unen en esta obra para configurar una imagen de lirismo hermoso, soberbio y apasionado.

Francisco Fernández



Naiguatá Alto Hatillo, 77 X 55 cm
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Jardines de Luxemburgo, 47 X 55 cm
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Premio Nacional de Pintura, 1946

Nació en 1897. Estudió en Caracas y en París, donde obtuvo el Primer Premio del Concurso Anual de la Academia Julian, en 1918. Seguidamente viajó por Estados Unidos y Europa. A partir de 1928 realizó exposiciones individuales con alguna frecuencia, y en 1959, el Museo de Bellas Artes realizó una amplia retrospectiva de su obra.

La trayectoria y el valor de la obra de Francisco Fernández lo consagran como un pintor venezolano de gran relieve, y su vasto registro temático proporciona una valiosa fuente de acercamiento al realismo del siglo XIX. Conservó una identidad autónoma de su tiempo, mas inclinada hacia lo íntimo y el detalle, con composiciones depuradas y un sutil tratamiento de la atmósfera y de la luz, manteniéndose libre frente a la naturaleza para revelar su condición de poeta.

Francisco Hung



Materia Flotante XX, 56 X 78 cm
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Materia Flotante en Azul, 70 X 100 cm
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Sin título, 38 X 56 cm
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Premio Nacional de Pintura, 1965
Premio Arturo Michelena, 1986

Nació en Cantón, de padre chino y madre zuliana, en 1937. Llegó a Maracaibo a los cuatro años y estudió en esta ciudad. En 1958 una beca le permitió viajar a estudiar en la Escuela Superior de Bellas Artes en París. Participó en las actividades del grupo contestatario 40 Grados a la Sombra, en 1962. En 1963 presentó una exposición individual de su conocida serie Materias Flotantes en El Museo de Bellas Artes y participó en la VIII Bienal de Sao Paulo, donde recibió el Premio de Adquisición Isai Lerner. En 1985 el Museo de Arte La Rinconada expuso una amplia retrospectiva de su obra. Ha exhibido en; Galería Logos, Maracaibo, 1965; Galería 40 Grados a la Sombra, Maracaibo, 1965; Círculo El Pez Dorado, Caracas, 1965; Ateneo de Caracas, 1969 y 1987; e Instituto Zuliano de la Cultura, Maracaibo, 1975.

La pintura de Hung alude a la velocidad de un mundo mecanizado cuyas fuerzas se desea humanizar mediante la representación metafórica de las tensiones dinámicas de materia, espacio y color.

Mateo Manaure



Orinoquia, 78 X 72 cm
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Premio Nacional de Pintura, 1959
Premio Arístides Rojas, 1962
Premio Armando Reverón, 1964
Premio Federico Brandt, 1965
Premio John Boulton 1950, 1965
Premio Marcos Castillo, 1966

Nació en 1926, estudió en Caracas y viajó a París. Se adhirió a la corriente del abstraccionismo geométrico dejando como muestra relevante sus murales, policromías y vitrales en la Ciudad Universitaria de Caracas. Ha expuesto su obra en importantes galerías de Caracas, en 1952, 1960, 1962, 1965, 1967, 1970, 1994 y 1996; en el Museo de Bellas Artes, en 1947, 1956 y 1976; y en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, en 1977.

El carácter poético que caracteriza la obra de Mateo Manaure, aún en los momentos más comprometidos de su etapa constructivista, lo llevó de retorno hacia 1960 a una figuración que habita en lo onírico y que, centrándose en el entorno misterioso de las formas, encuentra su expresión más nítida en un paisajismo imaginario.

Milos Jonic




De la Primavera al Verano, 78 X 57
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Premio Emilio Boggio, 1952
Premio Antonio Herrera Toro, 1953

Nació en 1916 y estudió en Munich. Fue uno de los fundadores del Taller Libre de Arte, agrupación de artistas que se interesó por el abstraccionismo y el constructivismo. Sin embargo, Mylos consolidó su carrera en una tendencia que denominó Pop Art Lírico. Su obra gráfica fue reconocida en las Exposiciones Nacionales de Dibujo y Grabado de la Universidad Central de Venezuela, y en numerosas exhibiciones y bienales internacionales. En 1959 realizó una exposición individual en el Museo de Bellas Artes de Caracas, y en 1965, en la World House Gallery de Nueva York. Está representado en colecciones de Alemania y Nueva York, y en el Museo de Bellas Artes de Caracas.

La obra última de John Mylos recrea una imagen plástica sobre amplios fondos blancos pintados de manera suelta y radiante, donde la sensualidad de la línea y el juego del color dan vida a escenas espontáneas y sencillas de la cotidianidad.

Manuel Vicente Mujíca



Mujer con Flores, 57 X 78 cm
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Nació en 1924 y estudió en Caracas, Francia, Italia, España y Holanda. Fue miembro activo de la Escuela de Caracas, agrupación de artistas quienes influenciados por las técnicas y los temas del impresionismo, se rebelaron contra los rígidos cánones de la Academia de Bellas Artes. En 1966 desempeñó la presidencia de la Asociación de Artistas Plásticos Independientes, y en 1967 realizó exposiciones individuales en Madrid y Barcelona, España. Está representado en la colección de la Galería de Arte Nacional.

Manuel Vicente Mujíca ocupó un rol significativo junto a Tomás Golding, Francisco Narváez y otros artistas de la época. Bajo el denominador estilístico de la Escuela de Caracas, recreó en sus obras una temática figurativa tradicional, acercándose en ocasiones a la pincelada fauve, particularmente en los géneros del retrato, el bodegón y el paisaje.

Alirio Oramas



Cometas y Papagallos, 109 X 75 cm
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Ritmo y Transparencia, 57 X 78 cm
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Premio Nacional de Pintura, 1951
Premio Andrés Pérez Mujíca, 1966
Premio Arturo Michelena, 1967

Nació en 1924 y estudió en Caracas y París, donde también frecuentó el Taller de Arte Abstracto de Dewasne. Fue un importante propulsor vanguardista, cofundador y director del Taller Libre de Arte, miembro del grupo Los Disidentes, y co-creador de El León de Oro y Los Expansionistas. Expuso con Tapies y Canogar en la Galería Caralt, España, en 1956. Participó en el proyecto de integración de las artes de la Ciudad Universitaria de Caracas, y en 1964, se incorporó como docente. Participó en la exposición Arte Constructivo Venezolano 1945-1965 en la Galería de Arte Nacional. Sus principales exposiciones se efectuaron en: Galería Arnaud, París, 1952; Galería II Cavalino, Roma, 1961; y Galería de Arte Nacional, Caracas, 1983.

La obra de Alirio Oramas revela una posición casi mística hacia la búsqueda de una verdad trascendente, y su actitud irreverente ante lo tradicional hace de él, ante todo, un artista investigativo. Oramas es uno de los representantes mas importantes del abstraccionismo y el constructivismo en Venezuela.

Alejandro Otero



La Cafetera Azul, 70 X 100 cm
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Premio Nacional de Pintura, 1958
Premio II Salón Interamericano de Pintura, Colombia, 1959
Premio Nacional de Artes Aplicadas, 1964

Nació en el Manteco, Estado Bolívar, en 1921. Estudió en la Escuela de Artes Plásticas de Caracas entre 1939 y 1945, y viajó a París donde se inició en el abstraccionismo bajo la influencia de Picasso con la serie "Cafeteras" expuestas en el Museo de Bellas Artes en 1948. En Paris, en 1950, lideró al grupo Los Disidentes. Participó con varias policromías y murales en el proyecto de las artes de la Ciudad Universitaria de Caracas. En 1959 intervino en la V Bienal de Sao Paulo, Brasil, y en 1960 expuso en Caracas su mas famosa serie pintada, los Coloritmos. Expuso con Jesús Soto en 1964. En 1965 fue vicepresidente del Instituto Nacional de Cultura y Bellas Artes. En 1967 decidió abordar la escultura con obras de gran formato, que le valieron la beca Guggenheim, Nueva York, en 1971, con la cual partió en viaje de estudios a Estados Unidos. Representó a Venezuela en la Bienal de Venecia en 1982. Realizó numerosas exposiciones individuales: Museo de Bellas Artes, 1948, 1960 y 1962; Taller Libre de Arte, 1949; Sala de la Fundación Mendoza, 1962, 1964 y 1965; Signals London, Inglaterra, 1966; Galería Conkright, 1971, 1972 y 1973; Galería Adler-Castillo, 1975; Museo de Arte Moderno de México, 1976; y Museo de Arte Moderno Jesús Soto, Ciudad Bolívar, Estado Bolívar, 1991. Recibió mención honorífica en la V Bienal de Sao Paulo, Brasil, en 1959. En 1982 el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas realizó una exposición retrospectiva de su obra. Después de su muerte, ocurrida en 1990, se le dió el nombre de Alejandro Otero al antiguo Museo de Arte La Rinconada.

Alejandro Otero ejerció la mayor influencia en su generación y en el desarrollo de la abstracción geométrica que arraigó en Venezuela. La Serigrafía Cafetera Azul presente en esta colección pertenece a la serie que ejecutó entre 1946 y 1948 en París. En ella, el objeto cotidiano aparece reducido a sus líneas esenciales y se convierte en una forma autónoma con extraordinaria síntesis dinámica.

Alirio Palacios



De la Serie de Estudios sobre Lucas Cranach 2
70 X 100 cm
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Premio Nacional de Pintura, 1978
Premio Roma, 1961
Premio II Salón de Dibujo Actual de Venezuela, 1980
Premio Andrés Pérez Mujíca, 1981
Premio de Adquisición I Bienal Nacional de Artes Visuales, 1981

Nació en 1938 y se formó en Caracas con Alejandro Otero, Gego y otros artistas importantes. Emprendió una serie de viajes de estudio que lo llevó a cursar pintura en Roma, antiguas técnicas de grabado en madera en Pekín -experiencia que fue decisiva en su carrera -, aguafuerte y diseño en Varsovia, grabado en Berlín, artes gráficas en Ginebra y mezzotinta en Cracovia. Ha sido docente de diseño, cofundador del Taller de Artistas Gráficos y del Centro de Enseñanza Gráfica, comisario de eventos artísticos nacionales en el extranjero y director del Venezuelan Art Center en Estados Unidos. Actualmente reside entre Caracas y Nueva York.

La misteriosa obra de Alirio Palacios está definida por la calidad de un trazo dibujístico producto de la síntesis de diversas y refinadas técnicas milenarias. Los secretos de su formación gráfica se evidencian en el dominio del empleo de negros y grises para plasmar imágenes fuertes y profundas, que simbolizan su metáfora del nexo espiritual que lo une a su Delta del Orinoco natal.

domingo, 12 de abril de 2009

César Rengifo



Niños, 39 X 57 cm
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Premio Nacional de Pintura, 1954
Premio Arturo Michelena, 1954
Premio Antonio Esteban Frías, 1954
Premio Andrés Pérez Mujíca, 1953

Nació en 1915 y estudió en Caracas, Chile y México, donde encontró su principal influencia en el muralismo. Además de pintor, fue periodista, educador, poeta y dramaturgo, actividad esta última donde alcanzó gran notoriedad y a la que dedicó gran parte de su vida. Expuso su trabajo pictórico en Nueva York, en 1947, y en Caracas, en 1949, en el Museo de Bellas Artes. En 1955 realizó el mural en mosaico El mito de Amalivaca en el Centro Simón Bolívar, y en 1973, el mural Creadores de la Nacionalidad, en el Paseo de Los Próceres. Fundó la Escuela de Artes Plásticas de Mérida durante su gestión como director de Cultura de la Universidad de Los Andes, en 1959. En 1974 la asociación Pro-Venezuela presentó una retrospectiva de su obra, y en 1980 realizó una exposición individual en la Galería Acquavella.

La obra de César Rengifo despliega una atmósfera tensa cargada de drama y lirismo, elaborada a partir de una técnica minuciosa que se evidencia en la precisión de las formas y los espacios. Su temática, fundamentalmente rural y suburbana, refleja personajes con tipología mestiza que residen en el total abandono de un paisaje desolado. Mensaje político, lucha de clases, afirmación de vida y amor ingenuo constituyen los contenidos que emplea César Rengifo para narrar su épica de lo marginal.

Socorro Salinas




Boulevard de Macuto, 112 X 74 cm
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Premio Bárbaro Rivas, 1990
Premio Salón Haití, 1985

Nació en 1936. De formación autodidacta, su ascendente trayectoria dentro de la tendencia ingenua la ha llevado a exponer al lado de los maestros Feliciano Carvallo y Bárbaro Rivas. Ha participado en numerosos eventos nacionales e internacionales importantes. En 1991 fue homenajeada con una muestra organizada por el Museo Sacro.
Exhibió en Arte Exposición Nueva York 95, 1985; en el Museo y Galería Nacional de Trinidad y Tobago, 1992; y en el Prix Suisse y Prix Europe de Peinture Primitive Moderne, Suiza, 1994. El Museo Popular de Petare ofreció, en 1997, una retrospectiva de su obra. Ha realizado exposiciones individuales en la Galería Viva México, en
1989, y en la Galería Calicanto, en 1995. Igualmente, ha participado en: Salón Arturo
Michelena, 1985 y 1987; Bienal Nacional de Arte Popular Salvador Valero, 1986, 1988, 1990 y 1992; y Bienal de Arte Popular Bárbaro Rivas, 1987, 1990, 1992 y 1994.

La obra de Socorro Salinas encuentra sus orígenes en incidencias infantiles que conserva frescas en su memoria como viva estampa del imaginario popular. Sus hermosas composiciones, brillantes de colorido, despliegan multitud de elementos que se van integrando a manera de franjas sucesivas, para construir el universo de una anécdota plasmada con gracia, ritmo y vitalidad.

Oswaldo Subero




Degradación del Color, 100 X 70 cm
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Nació en 1934 y realizó su formación en Caracas y Roma, donde obtuvo Medalla de Oro y Diploma en la I Exposición Internacional, en 1959, y exhibió su obra en importantes galerías, como la II Bílico. De regreso a Venezuela fue nombrado director de la Escuela de Artes Plásticas de Cumaná, Estado Sucre, y en 1970, asistió a los cursos de Frank Popper en París. Fue seleccionado para integrar la representación venezolana en la XXXIV Bienal de Venecia. Su prolífica actividad expositiva incluye dos exposiciones en el Museo de Bellas Artes de Caracas, en 1966 y en 1980.

Oswaldo Subero es el artista mas genuinamente representativo del movimiento del constructivismo abstracto que transformó el arte venezolano a partir de la década de los 50. Su obra, producto de un ordenamiento racional, se traduce en una estructura geométrica serial sobre un plano uniformemente iluminado, donde las relaciones visuales que se crean entre líneas, formas y colores buscan producir en el espectador un efecto de perspectiva virtual.

Virgilio Trompiz



Ensayo, 70 X 100 cm
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La Novia (Tríptico) 54 X 74, 109 X 75, 54 X 74 cm
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Premio Nacional de Pintura, 1964
Premio Armando Reverón, 1963
Premio Antonio Esteban Frías, 1957
Premio John Boulton, 1955, 1965
Premio Salón Planchart, 1955
Premio Hispanoamericano de Arte, La Habana, 1955
Premio Roma, 1954
Premio José Loreto Arismendi, 1952
Premio Salón Anual de Arte Venezolano, 1947
Premio Arturo Michelena 1944, 1950

Nació en 1927 y realizó sus estudios en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas, en la cual se desempeñó posteriormente como profesor de dibujo, pintura y grabado. Participó en la fundación del Taller Libre de Arte. Viajó a Italia y residió en España, permanencia que resultó ser decisiva para su obra. De regreso en Caracas, alternó su trabajo creativo con la docencia, la ilustración de revistas y diarios, y el dibujo de historietas para la revista infantil Tricolor. En 1973 presentó su obra en París y Tokio. Sus principales exposiciones individuales son: Museo de Bellas Artes, 1941, 1946 y 1950, y una retrospectiva en 1974; Unión Panamericana, 1945; Biblioteca del Congreso, Washington, D.C., 1948; Galería de Arte Contemporáneo, 1957; Museo de Arte Moderno, Ciudad de México, 1974; Galería Acquavella, 1950, 1979, 1980 y 1982; Galería de Arte Moderno de Caracas, 1968, 1970 y 1972; y una segunda retrospectiva en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, 1986.

Virgilio Trompiz evolucionó gradualmente de un estilo de inspiración cubista hacia una figuración intimista. Su foco de interés se concentra sobre la figura femenina idealizada y representada en un ambiente de sensual abandono bajo los sutiles efectos de la luz.

Víctor Valera



Columna I, 74 X 110 cm
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Sin título, 77 X 56 cm
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Premio Nacional de Escultura, 1958
Premio Arturo Michelena, 1972
Premio I Bienal Nacional de Escultura Francisco Narváez, 1982

Nació en 1927 y estudió en Maracaibo y en Caracas. Asistió al Taller Libre de Arte, y aconsejado por Jesús Soto, se fue a París para incorporarse a los talleres de Vasarely y Dewasne, de Jean Arp y de Fernand Léger. De regreso a Caracas en un principio se dedicó a la pintura, y hacia 1955, decidió trabajar como escultor. Realizó varios murales para la Ciudad Universitaria de Caracas, en 1956, y participó en la Bienal de Venecia, en 1966. Se desempeñó como docente en la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas. Entre sus exposiciones individuales, las mas notables: Ateneo de Caracas, 1965; Sala Mendoza, 1966; Estudio Actual, 1969, 1974, 1975 y 1980; Centro de Bellas Artes de Maracaibo, 1973; Galería de Arte Nacional, 1982; Galería Durban, 1985; y Biblioteca Luís Ángel Arango, Bogotá, Colombia, 1974.

Víctor Valera ha sido fundamentalmente un investigador de las propiedades de la materia. Su obra responde a su necesidad de saturar materialmente el soporte, y a través de formas, colores y signos que componen un espacio mágico-ritual, dejar emerger las imágenes abstractas que proyecta el inconsciente.

sábado, 11 de abril de 2009

Oswaldo Vigas



La Gran Bruja, 74 X 110 cm
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Premio Nacional de Artes Plásticas, 1952
Premio Arturo Michelena 1952, 1964
Premio Adquisición Exposición de Arte Latinoamericano Contemporáneo, 1959,
Colombia.

Nació en 1926 y se inició en la pintura en 1942. Frecuentó el Taller Libre de Arte. Se residenció en Paris y estudió arte, litografía, grabado e historia del arte en las academias, universidades y talleres más prestigiosos. Se relacionó Picasso y Léger y expuso regularmente en el Salón de Mai y en el Des Realités Nouvelles. Intervino en las exposiciones de arte latinoamericano que se organizaron para Europa y Estados Unidos, y participó con cinco murales en el proyecto de las artes de la Ciudad Universitaria de Caracas. Ocupó el cargo de agregado cultural de la Embajada de Venezuela en Francia. En 1962 integró la delegación a la Bienal de Venecia, y a partir de 1970, una vez instalado en Caracas, emprendió el período mas fructífero de su trayectoria en pintura, escultura, grabado, tapicería y cerámica. En 1990 el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas organizó una retrospectiva de su obra 1942-1990. Ha realizado una copiosa actividad expositiva: Ateneo de Valencia, 1942, 1943, 1946, 1952 y 1957; Museo de Bellas Artes, 1952, 1981 y 1982; Sala de la Fundación Mendoza, 1957, 1958, 1964, 1967 y 1970; Ateneo de Caracas, 1964; Galería Antañona 1971; Museo de Arte Contemporáneo, Bogotá, 1973; Galería Durban, 1978; Centro Venezolano Euroamericano, 1978; y Galería de Arte Nacional de Caracas, 1979.

Oswaldo Vigas ha plasmado una obra numerosa y polifacética, de apariencia mural y arraigada violentamente en lo mágico, orientada a trazar la imagen interna del vínculo que une al hombre latinoamericano con su paisaje mítico. Pintor neo-expresionista, de temperamento polémico e impulsivo, ha marcado una huella profunda en el arte moderno venezolano.